Olivier Arteau : jouer avec les débordements et la vie qui pulse

Des enjeux queer à la bouffonnerie, du travail du corps aux débordements de la scène, Olivier Arteau n’a jamais eu peur de brouiller les frontières. Metteur en scène, créateur et codirecteur général et directeur artistique du Trident, il cultive un théâtre indiscipliné, humain, traversé par les disciplines et les imaginaires multiples. Une évidence : cet artiste finaliste au Prix CALQ-Artiste de l’année n’a jamais perdu le goût du risque!

En une dizaine d’années, votre parcours vous a amené de la scène émergente de Québec jusqu’aux scènes internationales, notamment avec la mise en scène récente du spectacle de Coeur de pirate. Quand vous regardez ce chemin parcouru, qu’est-ce qui vous surprend le plus dans l’évolution de votre pratique?
Je crois que ce qui me surprend le plus, c'est la confiance que j'ai progressivement acquise envers mes propres intuitions. Au début de mon parcours, je ressentais déjà un vif intérêt pour les enjeux queer, le travail du corps, la forte théâtralité et la puissance émancipatrice de la musique, mais aussi pour les débordements, la bouffonnerie, l'autodérision, le franchement ridicule. Ces obsessions ne m'ont jamais quitté. J'ai simplement appris à mieux orchestrer ce joyeux chaos.

Ce qui me réjouit, c'est de constater à quel point ces intuitions m'ont ouvert des portes que je n'aurais jamais imaginées. La diversité des occasions, que ce soit pour la mise en scène du spectacle de Cœur de pirate ou pour une œuvre plus radicale comme le roman de Laura-Ève Lambert [Querelle de Roberval], me permet de traverser des univers artistiques très différents sans nécessairement renoncer à ce qui m'anime profondément. Je crois que j'ai appris à faire davantage confiance à mes désirs, même lorsqu'ils me conduisent vers des territoires inconnus.

Et peut-être que la plus grande surprise, finalement, c'est de constater qu'en gagnant de l'expérience, je n'ai pas nécessairement gagné en certitudes. J'ai surtout appris à mieux habiter mes doutes et à accepter d'avoir tort aux yeux de certain·es. Si je veux caricaturer les autres, je me dois de me ridiculiser moi-même par moments!

Vous êtes codirecteur général et directeur artistique au Trident, c'est-à-dire que vous êtes à la tête d’un appareil de diffusion d’importance dans la région de la Capitale-Nationale. À votre arrivée, Le Trident a inclus de manière récurrente au sein de ses productions, des artistes de différentes disciplines (danse, cirque, performance). Comment, comme créateur, conciliez-vous ce travail de metteur en scène et de directeur artistique? Quelles responsabilités cela vous fait-il porter de plus? 
La mise en scène est un refuge que je tiens à préserver pour maintenir le feu ardent de la création. C'est un espace où je peux continuer de risquer, de me mettre à nu, d'avoir peur et de réfléchir à ce que nous souhaitons collectivement devenir.

La direction artistique, quant à elle, relève d'abord pour moi du service public. C'est une responsabilité envers les citoyen·nes, mais aussi une occasion de leur proposer des visions radicales, sensibles ou utopiques du monde que nous pourrions construire ensemble. Et cette vision ne peut pas reposer uniquement sur mes propres convictions. Elle doit se nourrir de la diversité des artistes qui habitent notre territoire, de leurs pratiques, de leurs idéologies et de leurs imaginaires.

C'est aussi une manière extraordinaire de me laisser traverser par d'autres univers et de remettre en question mes propres certitudes.

Je crois profondément que ma responsabilité consiste aussi à redonner aux autres les chances qui m'ont été offertes. En ce sens, diriger artistiquement un théâtre, c'est parfois accepter de mettre ses propres désirs de côté pour permettre à ceux des autres de prendre toute la place.

Et à travers tout ça, j'essaie de ne pas oublier que j'ai d'abord vivement critiqué mon milieu, les institutions et la ville où j'évoluais. Il faut, curieusement, nourrir ces révoltes initiales et accepter l'inconfortable contradiction entre mon poste et la posture d'artiste qui refuse de se soumettre à certains dogmes.

Ce qui me rassure le plus, c'est d'occuper ce poste-là tôt dans ma carrière, car je n'aurai d'autre choix que de quitter éventuellement ces fonctions et de redevenir un travailleur autonome. Ça oblige à demeurer humble vis-à-vis de ses privilèges.

En quoi vous tient-il à cœur de réfléchir à des nouvelles avenues artistiques ou esthétiques pour la pratique du théâtre (tel que mentionné dans une entrevue dans la revue Jeu de 2023) et quel regard portez-vous sur le théâtre créé dans la Ville de Québec?
Je m'ennuie rapidement lorsque le théâtre se contente de reproduire les formes qu'il maîtrise déjà. J'aime qu'un spectacle me fasse douter de ce que je suis venu voir, et parfois même de ce que j'accepte de considérer comme du théâtre.

Je crois que le théâtre doit continuellement se laisser transformer par les autres disciplines, par les nouvelles générations d'artistes et par les bouleversements de notre époque. J'aime lorsqu'il déborde de ses propres conventions, lorsqu'il emprunte à la danse, à la performance, à la musique ou aux arts visuels pour inventer de nouvelles manières de raconter et de nous rassembler. Il ne s'agit pas tant de chercher la nouveauté à tout prix que de refuser de considérer nos habitudes comme des évidences. Et je crois que Québec est un terreau particulièrement fertile pour cette recherche.

J'aime le caractère artisanal et profondément humain de notre milieu. Chaque fois que des artistes de l'extérieur viennent travailler dans la Capitale-Nationale, ils et elles s'étonnent de notre collégialité, de la facilité avec laquelle nous créons des liens et de l'ouverture de notre communauté à rencontrer de nouveaux esprits artistiques et critiques.

Avec le Mois Multi, la Charpente, le Carrefour, Le Lieu, l'Ampli, et j'en passe, j'ai parfois l'impression que notre ville est une véritable pouponnière pour d'innombrables artistes. Les espaces de recherche et les occasions offertes à la relève, notamment grâce à Première Ovation, témoignent d'un milieu qui accorde une place importante à l'innovation et à la jeunesse.

Cette proximité entre les disciplines et les générations constitue, à mon avis, l'une de nos plus grandes richesses. Elle nous permet de nous influencer mutuellement et de faire émerger des formes qui n'auraient peut-être jamais vu le jour autrement.

Le corps occupe une place importante dans vos créations, parfois comme outil dramaturgique, parfois comme matière première de la mise en scène. Qu’est-ce que le corps vous permet de raconter ou de faire ressentir que les mots seuls ne pourraient pas? 
Les sensations corporelles traversent les cultures, les sexualités, les âges et les genres. Elles constituent un référent commun qui dépasse les références propres à une génération ou à une communauté culturelle.

Nous reconnaissons tous·tes le frisson des premiers élans amoureux, la tension inhérente aux plus fortes colères, le souffle court de l'étonnement. Le corps possède cette faculté extraordinaire de nous faire reconnaître quelque chose de profondément intime chez une personne qui nous est pourtant étrangère.

Et puisque nous vieillissons tous ensemble, à chaque minute, j'ai le sentiment que la durée d'une représentation nous rappelle que nous sommes en train de vivre, de vieillir et de disparaître ensemble.

La sueur d'un corps, tout devant nous, c'est une irrémédiable preuve que la vie pulse.

Avec l’adaptation du roman Querelle de Roberval de Laura-Ève Lambert, vous avez créé une œuvre d’une grande ampleur, qui poursuit maintenant sa route au Québec, au Canada et en France. Qu’est-ce que cette circulation de l’œuvre change pour vous, et qu’avez-vous envie que le public d’ici reconnaisse dans cette création lorsqu’elle voyage ailleurs?
Je souhaite d'abord abolir mes propres a priori selon lesquels certains sujets ne concerneraient ou n'intéresseraient que certains publics. Je crois qu'une fiction gagne à être confrontée à une diversité de citoyen·nes pour mieux comprendre ce qui choque, heurte, bouleverse ou emballe, et ainsi participer à la construction d'un meilleur tissu social.

Que nous présentions Querelle de Roberval dans un sous-sol d'église en Abitibi ou, prochainement, au cœur d'une ville du nord de la France, les réactions ne seront pas les mêmes, les références non plus, et encore moins les valeurs dominantes. C'est précisément ce qui me passionne. Une œuvre ne voyage jamais seule : elle rencontre de nouveaux imaginaires et se transforme au contact des personnes qui la reçoivent.

Lorsqu'une équipe confronte sa vision du monde à un nouveau public, elle contribue à faire naître de nouveaux symboles et, je l'espère, à fissurer certains silos idéologiques.

Se raconter collectivement, en racontant de nouvelles histoires, c'est développer notre empathie pour l'autre. D'une part, en tentant de l'incarner pour mieux le comprendre et, d'autre part, en acceptant de l'écouter patiemment pendant plus d'une heure pour saisir toutes les nuances et les contradictions de son humanité.

Et j'aimerais que le public d'ici reconnaisse, dans cette circulation, que nos histoires, même lorsqu'elles sont profondément ancrées dans un territoire et une langue, peuvent résonner bien au-delà de nos frontières. Nous n'avons pas à effacer nos singularités pour rencontrer l'autre. Au contraire, c'est peut-être en les assumant pleinement que nous pouvons véritablement dialoguer.

Vous êtes aussi un artiste qui travaille beaucoup en collectif et qui rassemble autour de lui une importante communauté de créateur·rices. Quelle place accordez-vous à vos collaborateur·rices dans votre processus de création, et comment faites-vous pour que leur apport transforme réellement votre vision?
Ce que je ressens d'abord, c'est une énergie, un rythme, une pulsion. Je suis épris d'une fièvre pour une histoire et je tente de contaminer d'autres artistes pour qu'ils et elles la ressentent aussi vivement que moi.

Une fois qu'ils et elles sont habité·es par les différentes textures du récit, que ce soit un personnage, un contexte social ou une posture politique, je tente de leur laisser le plus de liberté possible pour être, à mon tour, épris de leurs élans.

J'essaie d'être un émulateur d'inspirations plutôt que de m'accrocher à une idée précise ou à une esthétique prédéterminée. C'est à la frontière de deux, puis de dix, puis d'une vingtaine d'esprits que nous parvenons à créer un objet singulier, qui n'appartient plus tout à fait à personne.

Je crois qu'il faut tenter de reproduire, au sein même du processus de création, ce que nous souhaitons faire vivre au public : beaucoup d'écoute, un appétit pour le choc, une ouverture à la contradiction et le désir de créer des référents communs pour mieux nous comprendre.

Au fond, créer collectivement, c'est accepter que nos idées initiales ne ressortent pas intactes de la rencontre. Et c'est peut-être ainsi que nous pouvons commencer à inventer, ensemble, de nouvelles utopies.